Conversamos en profundidad con la banda sobre su nuevo disco Plastic Drama
[Ricardo Portmán] @ecosdelvinilo
En el año anómalo y alienante del virus mundial Belako nos presentan el mejor disco de su carrera, Plastic Drama. No podemos enlazar lo viral con el argumento de sus letras, pero si escarbamos quizás no sea tan descabellado, lo cual refuerza nuestra percepción que lo que nos proponen los de Mungia es algo tan universal como ajeno a lo espacio-temporal.
Cris Lizarraga, Lore Billelabeitia, Lander Zalakain y Josu Billelabeitia no sólo han elevado el listón con Plastic Drama, es que sencillamente han lanzado el (hasta ahora) mejor disco del 2020. Sobre sus canciones, motivaciones, concepto e interioridades del grupo hemos conversado largamente con Cris y aquí podéis leer nuestra charla.
Ricardo Portmán: Evidentemente sois los mismos que creasteis Render Me Numb, Trivial Violence pero a la vez los percibimos distintos, para bien. ¿Qué ha pasado en Belako en esta bisagra entre ambos discos y os ha hecho crecer como banda?
Cris Lizarraga: Supongo que en Render echamos a volar la experimentación y pudimos satisfacer esa faceta pero a la hora de llevarlo al directo, según qué temas, se nos hacían algo complicados. Son procesos distintos, grabar y tocar en directo, pero para Plastic Drama compusimos temas que con pocos elementos, se defienden bien en directo, más orgánicos, más inmediatos y melódicos, con más coros y armonías entre las cuatro voces.
RP: ¿Que une y qué separa Render Me Numb, Trivial Violence y el nuevo disco, Plastic Drama?
CL: Están muy unidos a nivel conceptual por las letras, que reflejan la realidad contradictoria en la que nos encontramos cuando observamos con espíritu crítico pero no pasamos a la acción. También les une el eclecticismo entre los temas que los componen. Render Me Numb era un viaje, con transiciones, y un espectro muy amplio de elementos y sin embargo Plastic Drama es un repertorio directo de singles, un setlist de himnos para un concierto ganador.
RP: Belako no repite fórmula, eso está clarísimo. Y no hablo sólo de diferencias entre discos sino entre canciones de un mismo álbum. ¿Qué espolea hoy vuestra creatividad y búsqueda en el estudio?
CL: Seguimos buscando temas que nos aporten cosas nuevas y que no repitan fórmulas entre sí, nos motivan mucho artistas y grupos que no se apalancan en un estilo y se atreven a mezclar elementos que aparentemente no peguen entre sí. Cada vez sabemos mejor cómo plasmar el resultado sonoro de lo que buscamos y nos encontramos cómodas grabando en analógico, como lo hemos hecho con el disco anterior y con este, en el estudio Atala (Bera, Navarra) con Iñigo Irazoki.
RP: Aunque no tenga nada que ver con los sucesos de los últimos meses, el título Plastic Drama parece tan pertinente a los que vivimos una “realidad” de red social y streaming durante el confinamiento… plastic a la fuerza.
CL: Sí, desgraciadamente ha resultado ser un título profético. Ahora hace un año que empezábamos a fijar los temas que compondrían el disco y poco después dimos con el título que acotaba a la perfección el contenido de todos sus temas. Este año ha puesto en evidencia todos los privilegios que teníamos y que al sernos arrebatados nos damos cuenta que los dábamos por hechos, por derechos. Y por supuesto se ha exagerado aún más la relación de amor-odio que tenemos con las redes, la toxicidad del mundo de las apariencias y el activismo de sofá.
RP: Habéis dicho que Plastic Drama va “Sobre la búsqueda del sentido real de las cosas en un mundo en el que todo se traduce a cadenas de montaje, fabricación y explotación de seres vivos”. ¿Estas nuevas letras son las más profundas y a la vez críticas de vuestra carrera? Nos ponéis a pensar lo cual es de agradecer…
CL: Puede que sean más directas y asertivas en cuanto a la crítica, y por eso trasciende más el mensaje que con los discos anteriores, pero profundas e intensitas ya éramos jaja Está claro que como con la parte instrumental, con las letras también vas aprendiendo y auto-exigiéndote más con el paso del tiempo. Hacer pensar es algo muy ambicioso, ojalá sea así, pero tampoco somos adalides de la superioridad moral, esperamos que no se tome como un tono aleccionador porque ante todo partimos de la autocrítica, que todas tenemos mucho que revisarnos desde el privilegio.
RP: No es nada habitual que todas las canciones de un disco sean singles potenciales (porque tienen madera de serlo todas). ¿Cómo nos definen el momentum actual de Belako como ente creativo? Estáis en estado de gracia…
CL: Bueno, hay curro detrás de esos singles potenciales, admiramos mucho la capacidad de grupos como Dover, The Strokes, Abba o Queen que tienen discos llenos de hits. Sacar temas que entren a la primera y pegadizos/coreables pero no redundantes o repetitivos con lo que ya se ha hecho o ya has hecho tú es más difícil que ponerse friki y experimental. Sí que hay un componente intuitivo y poco calculado y en general cuando al principio de estar sacando una canción ya tiene pegada, es buena señal.
RP: Os pilló en New York el estado de alarma. Llegasteis a dar un concierto ¿Qué sensaciones y recuerdos os quedan de ese único concierto antes de regresar de forma fulminante?
CL: Fue crucial poder dar ese bolo para no sentir que habíamos hecho ese viaje en vano, al menos un “llegar, tocar y volver”, por el bien de nuestra salud mental, en un año en que ya se avecinaba (y aún no sabíamos hasta qué punto) una crisis brutal para la cuenta del grupo, no nos podíamos permitir unas vacaciones, aunque fuese un bolo pequeño, es un símbolo ya para nuestra historia, conseguimos dar nuestro primer y único conci en el Lower East Side de Manhattan, ni más ni menos, y coincidir con dos bandas geniales, The Orielles y Life. Además, tocamos por primera vez The Craft, el día anterior al viaje rodamos su videoclip, y fue fuerte hacerla en ese contexto, porque no sabíamos cuándo volveríamos a juntarnos después de eso…
RP: Una palabra recurrente en la”nueva normalidad” en lo musical ha sido “reinvención”. Esto os llevó a lanzar singles semanales cuando no lo tenían previsto. Este cambio de seña ¿Cómo sienten se reflejará ahora que lanzan el disco?
CL: Es un disco que estaba casi a la luz antes de publicarse, pero ha sido un proceso bonito, ha acompañado parte de la cuarentena, de la desescalada, y finalmente, de la nueva normalidad rara de este verano. Los pocos conciertos que hemos podido dar han reflejado el calado de los nuevos temas en el público gracias a esta dinámica de haber ido desvelándolos previamente.
RP: Hay muchas expectativas con respecto a Plastic Drama. ¿Cómo gestionan internamente eso?
CL: Lo difícil de gestionar este año ha sido todo lo que se ha escapado de nuestro control, las cancelaciones de todas las fechas que teníamos previstas, y tener paciencia en general. En lo que respecta al disco, no podríamos estar más orgullosas del resultado, aunque es cierto que antes de ponernos a componerlo sí que sentimos presión por nuestro propio nivel de auto-exigencia y porque cada vez es más complicado no cansarte a ti mismx cuando ya has hecho muchos temas. Al menos podemos decir que tenemos la conciencia tranquila porque creemos que hemos hecho un buen trabajo, y con eso es más fácil asimilar cualquier crítica (por ahora el recibimiento está siendo ultra positivo!)
RP: Si una canción representa para mí la evolución de Belako esa es marinela2017. Tiene vuestro tight but loose de contrastes pero con una sutileza inédita… ¿Qué significa esta canción para vosotros?
CL: Es un tema súper especial, la melodía y la letra son de 2017, y de hecho refleja un momento vital concreto de ese año, que tuvimos una gira mundial brutal en muy poco tiempo, casi sin estar en casa, y si de por sí me encontraba bastante a la deriva, psicológicamente, fue una sacudida. Cuando en otoño de 2019 le damos forma y adquiere esos contrastes de intensidad, haciendo balance de cómo eran las cosas entonces, me emocionaba ver cómo la letra era más lúcida que cualquier otra cosa que pudiese decir entonces, y tocarla en directo es muy emocionante.
RP: The Craft os presenta en un canto coral. ¿Qué mantiene unido y fuerte a Belako como banda más allá de la música?
CL: Lo que nos une es una amistad, estrecha, por haber vivido algo único estos últimos 9 años, con todo lo bueno y malo que eso conlleva. El grupo se sustenta sobre ese vínculo a cuatro, que es muy fuerte, y aunque tengamos momentos complicados, al habernos enfrentado juntas a todo tipo de obstáculos por el camino, cuidándonos nos hacemos fuertes ante la adversidad. Es algo que nos parece súper importante, fomentar el cuidado de los afectos, entre nosotras y con quienes nos rodean.
RP: Si te parece bien hagamos un ejercicio. ¿Con una sola palabra nos puedes definir cada tema del disco?
CL: Tie Me Up: YinYang
The Craft: Hechizo
Sirène: Sueño
All Nerve: Hostieja
Plastic Drama: Invenciones
marinela2017: Naufragio
AKLR: Bestias
Profile Anxiety: Mentira
Truth: Verdad
Truce: Tregua
RP: En Sirène cantas un tema en francés. ¿La canción “pedía” ser cantada en ese idioma?
CL: La letra estaba escrita y era casi más un poema, un texto sin melodía, así que salió esa estructura extraña de meter las estrofas en dos tonos inquietantes entre las partes instrumentales más grandilocuentes. Todo cobró sentido con el concepto de la letra, los juegos de palabras y finalmente, el videoclip.
RP: Veo vuestras letras como pequeños actos de resistencia política y social. ¿Qué se siente ser de la pocas bandas que se posiciona claramente? Quizás un poco la rara avis necesaria…
CL: Hacer música a día de hoy ya es en sí un acto de resistencia. No nos consideramos más posicionadas que el resto, tratamos de caernos bien a nosotras mismas, que bastante difícil es, y para eso, tienes que asumir tus contradicciones.
RP: Cris. Hace un buen tiempo no te vemos con el teclado en escena, orientándote a una presencia más dinámica. La verdad ha sido una revelación ver tu manejo del lenguaje corporal como parte integral de tu performance vocal…
CL: Lo necesitaba para aprender a soltarme, que en los primeros años me costaba mucho y es normal, es bastante violento e impuesto el “darlo todo” desde el minuto uno cuando está todo el mundo frío, sin un instrumento de apoyo. Creo que tengo aún mucho margen de mejora, pero el teclado vuelve a nuestros conciertos para este disco, así que por fin puedo tocarlo sin por ello anclarme o bloquearme, ahora es todo mucho más dinámico porque en general cuando canto no toco.
RP: Muchas veces la elección de ciertos instrumentos parecen definir el mood sonoro de un disco. Hemos visto a Josu dejando de lado la Fender, apostando por algo inusual: una Steinberger. ¿Qué aporta esta guitarra que la diferencia de los registros anteriores como intérprete?
CL: Hasta ahora grababa con guitarras con pastillas simples pero en este disco con la jazzmaster que tiene pastillas más tochas (P90) cambia un poco el sonido pero también asocio cada guitarra a una estética que representa una etapa diferente del grupo. La Steinberger no se suele ver mucho, es muy de verbenas de los 80, y a nivel de sonido me funciona muy bien con los temas nuevos. Últimamente toca con una fender Mustang que me gusta mucho también.
RP: Siempre he destacado el poderoso trabajo de Lore en el bajo. ¿Cómo abordó Plastic Drama desde su rol instrumental? Sus líneas en All Nerve, AKLR y en el tema titular nos hablan de evolución…
CL: A diferencia del primer disco, en el que no teníamos tantos recursos porque acabábamos de empezar, todos los instrumentos han ido evolucionando con arreglos más complejos y diferentes entre sí en los discos posteriores. En Plastic Drama, habiendo explorado algo más, hemos jugado a sacar líneas de bajo más guitarreras, más agudas, armonizando más, ya que hay menos capas de instrumentos, es más protagonista como en esos dos ejemplos o por lo menos tiene un protagonismo diferente.
RP: Las baterías siempre han sido seña de identidad de Belako. ¿De cuáles puntos partieron para la concepción de las baterías en Plastic Drama?
CL: Hemos puesto mucha atención y cuidado en el sonido de las baterías para este disco, nos hemos inspirado en el Soft Bulletin de Flaming Lips (1999), con ese aire que le dan a la base rítmica, dotándola de un carácter espacial, registrando el sonido de sala más que microfonear de cerca cada parte de la batería. Apostamos por el sonido que se crea naturalmente, revisitando esas épocas en las que las baterías sonaban más crujientes en parte por falta de medios, y nos gusta esa distorsión, como a vosotrxs los ecos y craquelillos del vinilo.
RP: Sois una banda muy de directo. ¿Se sienten optimistas con respecto a los próximos tiempos de la música en la carretera?
CL: El optimismo es deporte de riesgo con el panorama actual de la música en directo, pero bastante feo nos lo ponen como para deprimirnos y no hacer nada. Si hay que adaptarse y tener aforos reducidos, gente sentada con mascarilla, para poder dar conciertos, tanto músico como público vamos a preferirlo a la nada absoluta. Pero decimos bien “adaptarnos” y no “acostumbrarnos”, confiamos en que sean condiciones pasajeras.
RP: Los conciertos en streaming. ¿Un mal necesario que será algo pasajero o una puerta que se abre a nuevas posibilidades?
CL: Sin duda algo que ha venido para quedarse, no sólo en la música sino en general para ampliar el acceso a la cultura y que desde cualquier lugar la gente pueda disfrutarla y apoyarla. No es un sustituto del directo, es otra dimensión que nos visibiliza y suma, así que bienvenida sea.
RP: Autocines. ¿Os imaginasteis alguna vez en tocar en uno? ¿Cómo se vive esa experiencia tan distinta a lo habitual de un rock gig?
CL: Como todo lo que ha venido este año, lo de tocar en autocines no se nos habría pasado por la cabeza en el viejo mundo, pero la verdad es que lo hicimos bastante parecido a un conci de festival, adaptando el recinto, creando el espacio delantero de terrazas para no tener sólo coches delante y con un camión escenario, en lugar de pasar el sonido sólo por radio frecuencia, así que la gente salía de sus coches para disfrutar del bolo. Lo vivimos con muchísima emoción, trabajamos mucho para que saliese adelante y hasta que nos estuvimos sobre el escenario no nos creíamos que fuese posible. Tenemos ganas de ver cómo quedó documentado, ya que tocando no veíamos todo el curro de realización en directo y proyecciones en las pantallas de cine.
RP: Para cerrar, “This is the hour / The power of time”. ¿Sientes que ya hemos llegado a un punto de retorno, donde de verdad es el momento de un cambio global y sobre todo real?
CL: Ojalá, pero está todo cada vez más polarizado y las ideologías enfrentadas, también divididas entre sí. Es difícil ser asertivo en un cambio sin ser radical, y tenemos tantas incoherencias que es casi imposible tener un posicionamiento radical. Desde la música y el arte podemos arrojar luz sobre estos meta conflictos pero sería presuntuoso decir que ofrecemos soluciones. Como con esta pregunta, llega un punto en el que te quedas sin respuestas. |
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