Conversamos con Carmen Alarcón, mastermind del proyecto Hoonine, sobre su nuevo disco Roca Roja
[Ricardo Portmán] @ecosdelvinilo | @portman918
Conversar con Carmen Alarcón siempre es un placer. Ella siempre ha tenido muy claras sus metas y qué desea transmitirnos con su música, antes con el grupo AA Mamá y ahora en su nuevo y rompedor proyecto llamado Hoonine, que acaba de publicar su álbum debut, Roca Roja. Esto es pop de vanguardia bien entendido. Con un listado de temas estructurados como una oda a la riqueza de la composición desde la tecnología, Roca Roja rompe con lo que pulula en las plataformas de streaming, brindándonos momentos de belleza, inspiración y melodías cristalinas.
Hemos podido conversar en profundidad con Carmen justo un día antes de salir oficialmente el disco y hemos removido cada piedra del camino. Hoonine es un nombre que sonará cada vez más en la galaxia-mass-media y aquí les compartimos muchas razones para tal afirmación.
Ricardo Portmán: ¿Cómo defines el proyecto Hoonine?
Hoonine (Carmen Alarcón): Yo creo que es un proyecto de pop experimental, no sé si llamarlo así, porque creo que tengo las bases pop, están ahí en las melodías pero también está esa parte experimental, electrónica, partes de R & B que son prácticamente estructuras de blues. Por eso lo defino así.
RP: Te conocí con AA Mamá (Avisar a Mamá) ¿Qué sucedió con la banda?
H: Nosotros teníamos un proyecto y llegó la pandemia y fue lo que nos hizo parar y reflexionar y ver nuevos caminos. Como se paró todo yo empecé a experimentar con otros sonidos y otras texturas y me di cuenta que eso me llenaba muchísimo, que era un poco lo que quería hacer. El grupo era un proyecto tan distinto que yo no podía meter las canciones de Hoonine en AA Mamá. Entonces decidí que iba a tomar este camino de momento pero no fue una ruptura dolorosa ni nada. De hecho les quiero a todos y seguimos hablando. Pero sí, ahora tengo otras inquietudes.
RP: Tu eres la voz, compositora, intérprete, la cara, todo, de Hoonine. ¿Te sientes mejor yendo por libre?
H: Sí, creo que sí. Principalmente porque siempre me gustado un poco hacer lo que me da la gana. Entonces cuando veo que no es así ya empiezo a ponerme en tensión.
RP: ¿Qué une y que separa artísticamente a Carmen de AA Mamá y Carmen de Hoonine?
H: Buena pregunta porque tengo la impresión que todo está conectado. Para mí lo que distingue a la Carmen de AA Mamá de la Carmen de Hoonine es un poco la valentía y la sensación de ser capaz de hacerlo todo, de tener la total libertad. Con AA Mamá siempre tuve terreno abierto pero al final, cuando estás en una banda son cuatro voces opinando, te lleves mejor o peor, y ahora mismo tengo como ese universo gigante de yo contra mí misma.
RP: ¿Cuándo supiste que querías incursionar en nuevos territorios sonoros, dejando atrás el pop-rock?
H: Vino con mi cambio en la forma de componer. Yo antes componía con una guitarra y es lo que he hecho siempre, pero me enfrenté a componer delante de un ordenador, porque necesitaba más instrumentos, más gente, y fue cuando empecé a experimentar con otras texturas, otros sonidos, sintetizadores, y fue como que se abrió un universo nuevo. Y yo siento que hay muchas cosas del pop en este disco, yo diría que es un 70% pop pero lo otro, lo experimental, me brinda un universo muy grande.
RP: ¿Cuáles han sido tus referentes musicales para este proceso del disco?
H: Escuché mucho a James Blake, que es una referencia que tengo desde hace mucho tiempo, a Bjork, también a un artista mexicano que se llama Humbe, pero también he estado reventando el disco de Brittany Howard y no tiene que estar vinculado necesariamente a lo que estoy haciendo pero ahí está la influencia. Brittany Howard también tiene ese lado de experimentación en los discos que ella hace. Hay un poco de todo.
RP: Yo la verdad me considero un detractor de mucho de lo que escucho hoy en nuestra escena. Siento que se ha vulgarizado el pop. Pero contigo me pasa que escucho algo más, incluso me atrevo a decir que atentas contra lo vacío y lo comercial. ¿Tenias claro que había que dar un paso más allá para diferenciarte? ¿No te dio un sustillo forzar ciertos géneros?
H: Creo que todo esto es más fácil de lo que parece, en el sentido de si tú de verdad tienes la inquietud y la curiosidad por la música, por experimentar, por componer y por llevarlo a tu terreno no estás innovando, sólo estás haciendo lo que sabes hacer. No es que yo me esfuerce por innovar, no me pongo encima la losa de la innovación y de hacer un single. Esto es lo que hago tanto si está bien como si no.
RP: Charco. Nos es poca cosa iniciarte en solitario con un tema que fue portada de Tidal Rising Internacional y Amazon Latin. ¿Qué representó para ti?
H: Charco fue prueba y error, porque yo hice la canción pensando “bueno esta voy a sacarla” y fue muy importante porque sentí que había hecho algo desde mi propia casa que merecía darle una oportunidad y una continuidad. Lo cierto es que esto de los números y aparecer… es un reconocimiento y no me voy a hacer la humilde, porque también quiero comer y que esto me aporte, pero cuando ya has hecho el trabajo bien todo lo que venga lo recibo agradecida y es maravilloso.
RP: Besé a Aramis me parece el tema más sorprendente. Muy experimental e incluso retador cuando se ha convertido en polémica el tratamiento de las voces y se discute si es una recurso creativo o camuflaje. ¿Qué papel le das a las herramientas electrónicas en la composición y grabación?
H: Lo veo como algo que te da otros planos. Por ejemplo yo a la guitarra puedo meterle un pedal de fuzz, pero hay que tener gusto o un poco de criterio para usarlo. No es meter reverb o autotune a todo lo que da porque a lo mejor estás haciendo una horterada. Es difícil encontrar ese equilibrio de hasta dónde quiero llegar. Para mi es una herramienta que me da otras posibilidades.
RP: Percibo a Roca Roja como tu canción más personal. Incluso comprendo porque titula el disco, porque quizás engloba todas tus esencias como artista. ¿Qué significa esta canción para ti?
H: Fíjate, a mi me cuesta hacer estructuras en las canciones, de hecho mi banda de la adolescencia, Green Day, hacía opera rock o eso decían de Jesus of Suburbia, que es una ópera rock y me gustan mucho esos temas que tienen como varios momentos y distintas texturas musicales, y Roca Roja para mi significa todas las sensaciones que quería englobar en el disco. De hecho por eso se titula Roca Roja.
RP: La poesía ocupa un lugar central en tu obra. Sin ir más allá Roja Roja me lleva a a Tierra Baldía de T.S. Eliot. Eso, la poesía, es quizás algo que casi no vemos ya en la lírica musical en detrimento de letras más urbanas y menos profundas…
H: Es que todo se tiende a simplificar en exceso, y que cada quien haga lo que quiera, pero es algo como que meten la palabra más catchy, como que meten esa frase como muy de la calle. Es otra forma de lírica, pero creo que tengo más vocabulario que esto, tengo algo más que indagar. No hay nada más bonito que utilizar palabras o frases que de verdad signifiquen algo. El lenguaje, el castellano, es realmente precioso y seguro que hay una forma bonita de decir las cosas más allá de “nos vemos en la puerta del bar” o algo por el estilo que yo siento que es la lírica a la que nos enfrentamos actualmente. Por otro lado me parece genial que haya una generación queriendo decir las cosas así, siendo más llanos…
RP: Mientras escuchaba el disco llegó el punto en el cual empecé a echar de menos las guitarras y entonces llega al rescate “Que no te pase ná”. De hecho es mi canción favorita de Roja Roja. Cuéntame ¿de dónde sale esta canción?
H: Es una canción que de hecho compongo en un periodo en la cual mi pareja tiene covid y tenía esa sensación por dentro de decir “me encantaría poder cuidarte ahora que estas fatal. Poder hacer algo por ti pero no puedo” y nace un poco de esa sensación de aislamiento y de preocupación por alguien sobre todo en este tiempo de pandemia. Es una canción que sale de mi guitarra y decidí juntarlo con lo que estaba haciendo con la parte experimental. Lo cierto es que es una canción de guitarra, bajo y batería, aunque lleve un colchón de sintetizadores. Es una canción muy simple y eso me gustó: que con tan poco se decía mucho.
RP: ¿El disco ha cumplido con tus expectativas. Es el álbum que querías escuchar?
H: Yo creo que sí. Esto es lo típico de “los discos no se acaban, se abandonan”. Nunca habrá un disco 2 si no hay un disco 1 y si yo estuviera 100% contenta con todo y dijera que ya he hecho el disco de mi vida pues ¡qué aburrimiento! Sí, estoy súper contenta con el trabajo pero tengo ganas de seguir, de hacer más.
RP: ¿Cómo te planteas la presentación en vivo de Roca Roja?
H: Me gustaría todo tuviese su coherencia, con sus partes instrumentales, como una sesión. Es un disco relativamente corto pero quiero que todo esté hilado, que cuando pase de un tema al otro tenga momentos instrumentales, que haya música siempre. Los músicos con los que nos vamos a presentar tienen su experiencia, son todos muy cracks en lo suyo, y quiero llevar algo que ha nacido de un ordenador a la realidad. Y es bastante curioso porque en las bandas de rock las canciones parten de varias personas y en mi caso todas parten de mí hacia los músicos y las canciones toman otros matices. Estamos intentando pasar algunos sonidos de los sintetizadores a las guitarras, quiero que demos un paso más. Y no tengo ningún problema con las secuencias y los backing tracks pero quiero hacer que la gente vea un espectáculo de música.
RP: Para cerrar, hoy, en marzo de 2022, Hoonine ¿encontró su forma, su tiempo y manera?
H: Yo creo que un poco, y si no lo he encontrado todavía, estoy en camino.|
Sobre el autor de la entrevista:
RICARDO PORTMÁN: Fundador y editor de Ecos del Vinilo, es periodista y crítico musical, criado y alimentado por el rock n’ roll; creció a la vera de The Beatles, los Stones, The Doors, Pink Floyd y Queen, compañeros de viaje que fueron nutriendo el banco de datos de una mente que siempre se ha movido en acordes, estrofas y vinilos. – @portman918 | @ecosdelvinilo
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