Hemos conversado con Sofía Comas sobre el disco Maniacs, Fools and Jaguars, hashtags y distopías
[Ricardo Portmán] @ecosdelvinilo
Un etiqueta de metadatos. Eso es lo que es un hashtag, algo tan aparentemente trivial que termina siendo vanguardista. Este código clicable es también una cadena de palabras que da pie a conceptos e inspiraciones y para Tucan así ha sido. Su nuevo disco Maniacs, Fools and Jaguars fue concebido a partir de hashtags claves, ejes para una obra que es un punto de inflexión para el cuarteto madrileño formado por Sofía Comas (voz, sintes, piano) Carlos Ramos (guitarra), Gonzalo Rivas (bajo, guitarra, sintes) y Juanma Padilla (batería).
Una cafetería del centro de Madrid fue el lugar de encuentro con Sofía Comas, encantador ojo de la tormenta como voz solista de Tucan, iniciándose una conversación que hizo su movimiento de traslación alrededor de un disco mayúsculo, de conceptos sólidos, pilares firmes y un cierre donde hablamos de la sabiduría del cuerpo proyectando un futuro que transcurre hoy. Maniacs, Fools and Jaguars nos lleva a estos parajes.
Ricardo Portmán: A pesar que tengas ya una larga andadura, parece que cada disco es un nuevo comienzo ¿Así lo sientes con Maniacs, Fools & Jaguars?
Sofía Comas: La verdad es que sí y creo que es la vez que es más un empezar de nuevo. Con el anterior disco, Moon Cabaret Rooms, la historia es que Juanma y Gonzalo se incorporaron cuando el disco ya estaba hecho y cuando ya había que presentarlo. Este es el primer disco que hacemos como formación, antes componíamos o Carlos o yo y arreglábamos el tema juntos. Es la primera vez que se ha compuesto en conjunto, de hecho ha sido la primera vez que he compuesto un tema con alguien en vez de traer de un boceto.
RP: Pasaron de Tucan Morgan a Tucan. Es obvio lo que une ambas denominaciones, pero ¿Qué les separa, que les diferencia?
SC: Pues le diferenciarían dos aspectos. En primer lugar el tipo de composición, estamos componiendo en equipo, no arreglando temas que alguien ha traído, esa es la gran primera diferencia. Y la segunda es la determinación a la hora de buscar un producto con un sonido muy concreto, y de ir a por ese sonido, que creo que queda muy evidente porque hay una coherencia sonora entre todos los temas. Es la primera que hacemos eso, de ir a por algo muy concreto y documentado incluso a la hora de elegir qué rango de sonidos y, antes hablábamos de hashtags, pues que rango de hashtags vamos a utilizar en este disco.
RP: Da la sensación que Maniacs, Fools & Jaguars es la sumatoria de todo lo aprendido en este tiempo… muestra una cara madura y trabajada de vuestra propuesta ¿Es quizás el disco que realmente mejor representa lo que llevan por dentro como artistas?
SC: Sí, sin lugar dudas, sobre todo por una cuestión. Cuando formamos Tucan Morgan Carlos y yo no habíamos tocado nunca en ninguna banda. Yo empezaba a hacer mis primeras canciones y él también con Tucan Morgan así que estos años han sido como la carrera y por supuesto que tenemos que seguir aprendiendo pero ya hay una solidez como artista para poder proponer cosas más complejas.
RP: Siempre se pregunta por lo que influye y ciertos referentes saltan a los sentidos, pero ¿Cuáles son esas influencias casi no confesables, esos placeres culposos que te inspiran…
SC: Para este disco estoy pensando si hay alguna ahí como muy atroz y hasta divertida… ¡Yung Beef… te reto a encontrar en cuál canción!
RP: Es inevitable pensar en el triunvirato Depeche Mode/Yazoo/Erasure como un referente obvio…
SC: La verdad Depeche Mode yo lo escuchaba a nivel usuario, los chicos alguno si que le han metido más a Depeche Mode…
RP: Maniacs, Fools & Jaguars suena muy homogénero, naturalmente estructurado. ¿Qué premisa fue dogma concibiendo el contenido sonoro del disco? ¿Se partió de un concepto unitario?
SC: Pues se dieron varias líneas, como te decía, varios hashtags. Uno de ellos era el hashtag cinematográfico, que creo que está muy visible. Otro de los hashtags sería #nebuloso, esa búsqueda de las texturas densas, y luego íbamos poniendo sub-hashtags (por decirle así) pero estos serían dos de ellos. Y otra cosa muy importante era que aunque haya homogeneidad en el sonido no debe haberlo en las emociones. Cada canción cuenta algo diferente y un disco que va navegando por distintas emociones va a ser mucho más dinámico. De hecho alguna canción que se ha quedado fuera ha sido porque había otra canción que hablaba en ese mismo código.
RP: El disco nos muestra un sorprendente comunión entre lo orgánico (Hey) y lo sintetizado (You Bring Fire). No se siente totalmente de un bando o otro, esta en un punto medio ¿Eso cómo se logra en el estudio?
SC: Se logra trabajando mucho en la pre-producción. Estuvimos meses trabajando en casa de Gonzalo con el Ableton y probando cosas y de ahí vamos al estudio con todo muy, muy cerrado, por eso las cosas que no funcionaban, como ha sido un proceso largo, nos íbamos dado cuenta, veíamos que no funcionaba y probábamos cosas nuevas y eso nos hacía que todo fuera más sólido en ese aspecto.
¿Y cómo llegas a eso? Por ejemplo en el tema Hey, que nació de guitarra española y nos encantaba el estribillo y el final, y nos planteamos como llevar esto, que viene de otro planeta, al tipo de sonidos con los que estamos trabajando. Y fuimos probando cosas. Algo para mi determinante fue la guitarra con Fuzz en el estribillo, y por ejemplo mantener esa guitarra española en el final hacía que convivieran esos dos aspectos, esos habría sido otro hashtag, la #convivencia, de los elementos orgánicos con los elementos sintetizados.
RP: ¿Nos pueden por favor comentar brevemente el origen, contexto o significado de los temas del disco?… una breve guía de escucha quizás…
Carlos Ramos: The Resistance. Hace unos años, mientras la ciudad dormía, se libró una batalla entre un ejército y una persona que, contra todo pronóstico, cayó del lado aparentemente débil. “The Resistance” es un homenaje a su fe.
When Fire was fire. Al principio de los tiempos, el fuego sirvió para aumentar al miedo. Desde entonces, ha sido incesantemente utilizado para convocarlo. “When Fear Was Fire” añora su uso original.
You Bring Fire. Pese a haber sido inseparables en el pasado, Mike y Bob nunca más volvieron a verse. “You Bring Fire” imagina su encuentro tras mucho tiempo siguiendo direcciones antagónicas. Dejando de lado sus diferencias, habría tiempo y espacio para la nostalgia. Y para el fuego, eso seguro.
SC: The Edge. Hice una versión a piano y voz de “The Edge” para el espectáculo VACA de la Compañía de danza Zuk. Todo el espectáculo es una reflexión acerca de la muerte de alguien que ya no podía soportar más la vida. Este tema habla de cómo a veces dejarse vencer es la única opción. Y de tratar esa caída como un ascenso hacia lo desconocido.
Time To Heal. Estaba viendo un capítulo de Vikings y me apunté está frase, en la escena hablaban de cómo tras la batalla se necesita un tiempo de descanso para poder volver a luchar. Cuando empezamos a trabajar la melodía del tema, recuperé esta frase, enumerando elementos que pierden su fuerza sin aquello que es lo que les hace temibles: una espada oxidada, un océano sin olas… con la idea de como en ocasiones, solo nos queda esperar a recuperarnos. Podríamos decir que “Time to Heal” es una oda a la paciencia.
No Bounds. Cuando algo te ha hecho tanto daño o has vivido una época tan dura que llega un momento en el que no eres capaz de expresar tus emociones, e incluso piensas que ya no vas a poder sentir nada nunca más, llega un día en el que todo eso que había estado recluido en tu cuerpo explota y ese llanto es una auténtica celebración. En palabras más técnicas y menos bellas, básicamente se trata de “superar el estrés post traumático”.
Hey. Comenzamos a tocar Hey en unos conciertos acústicos previos a empezar el disco. Era un tema a guitarra y voz y ya tenía dos partes bien diferenciadas. El reto fue trasladarlo al disco y buscarle los sonidos que hicieran que encajara con el resto de canciones que ya se habían desarrollado. Nos gustaba mucho el estribillo y la parte b y creíamos que podíamos encontrar su lugar entre el resto de canciones. Es una canción de amor incondicional.
Who Knows. Este tema tiene dos partes muy diferenciadas que se intercalan, una más agresiva protagonizada por un riff y otra más aérea. Es una canción de hacerse preguntas ¿estamos locos y nos creemos cuerdos o es al contrario? Tal vez nunca obtengamos respuesta aunque invirtamos todo nuestro tiempo en buscarlas, pero no por ello dejemos de cuestionarnos, aceptemos que es parte de nuestra esencia.
Lost Memories. Esta es la canción del crápula, jaja, no recuerdo lo que hice anoche, y qué. Ese momento en el que se viene arriba para no tener que dar explicaciones de nada.
Clay. Este tema parte de una idea visual muy sencilla, un trozo de arcilla que se va deshaciendo con el sol. Sentí que era una imagen que me ayudaba a contar como alguien no quiere desaparecer, pero no tiene otra opción, se lamenta de su partida pero espera dejarlo todo en buenas manos.
Survivors. En principio fue un tema que hacía de intro a Foolish Bird, en un espectáculo de Zuk en el que trabajábamos con canciones de Moon Cabaret Rooms, nuestro anterior disco. Se lo mostré al resto de la banda y multiplicamos lo épico que ya traía. Básicamente dice, que los que sobrevivimos somos los más débiles, aquellos que son capaces de hacer daño y engañar. Es decir, el ser humano. La continuación, es decir, Foolish Bird, aporta algo de esperanza al asunto.
RP: La portada del disco contiene un simbolismo muy potente ¿A quién o quiénes representan los tres arquetipos? ¿Quizás a nuestra sociedad llevada a la mínima expresión? Yendo más allá.. ¿Es un anagrama?
SC: El título es un anagrama. Siempre hemos trabajado con anagramas porque nos quita la presión de tener que buscar un título que te lleve a lo evidente y por otro lado ese factor de aleatoriedad te lleva a encontrar títulos a los que luego puedes darles sentido. Los anagramas siempre los hace Carlos, nos pasa varios anagramas, y con Moon Cabaret Rooms pasó lo mismo.. hay un anagrama que palpita por dentro, y en este caso de Maniacs, Fools and Jaguars siempre te puedes ver representado por uno de estos personajes en algún momento o has sentido que tienes alguna de sus características. Y como el disco es un conjunto de relatos de distintos personajes, no es todo en una primera persona, y nos pareció sonoramente maravilloso y a nivel conceptual le daba sentido al conjunto de canciones sin haberlo buscado este titulo. El titulo te encuentra a través de estos anagramas.
RP: Blade Runner lo citáis como unos de vuestros puntos de partida en cuanto a inspiración visual ¿El arte gráfico también “suena” de alguna manera en las canciones? ¿Qué valor le dan al empaque que contiene vuestra música?
SC: Lo consideramos fundamental. En nuestra opinión una propuesta artística tiene que pensar en una estética. Y de hecho esa propia estética nos ha llevado a hacer esa música. Varias palabras que salían (neblina, neón) referencias de películas que nos interesan, te llevan a una atmósfera y un escenario.
Desde el primer momento hicimos mucho hincapié en que es una propuesta creativa que conlleva varias disciplinas artísticas y es una de las cosas que más nos inquieta y más nos gusta, como traducimos esto en imagen, en escena, que referencias puedo buscar, cuan postmodernos podemos ser para configurar lo que somos nosotros. Eso estaba desde el principio como uno de los parámetros que queríamos trabajar fuertemente de cara a este disco.
RP: Por vuestra implicación multidisciplinaria (música, danza, performance) ¿Qué podemos esperar de las presentaciones en vivo de Maniacs, Fools & Jaguars?
SC: Hay una cosa fundamental cuando vas a ir al escenario que es ver cómo es ese escenario y ver que posibilidades tiene, y que tienes tú que puedas ofrecer a ese espacio. En este caso nos estamos centrando mucho en la dinámica del espectáculo y en nuestra presencia escénica. Básicamente en esos dos pilares. En otros espacios, dependiendo del ámbito en que esté presentado, eso podrá ir variando. Ahora trabajamos en un pilar que debe ser la coherencia sonora… que sea dinámico, que nos caiga y cuál es la presencia que tienes y como va evolucionando tu presencia en escena. No puedes ofrecer todo el rato lo mismo y las canciones ayudan a que no lo hagamos porque no son parecidas entre sí. Este es nuestro objetivo.
RP: ¿Dónde y cuándo estaréis presentando el disco?
SC: Este miércoles 30 de octubre estaremos presentando el disco en Café Berlín, a las 9 y media, y tendremos una hora de show.
RP: Un mañana distópico alumbrado por luces de neón… ¿Quizás ese mañana ya es hoy y por cercanía no somos conscientes de ello?
SC: Hay muchos elementos y cosas que suceden y más cuando es algo a nivel social, a nivel global, y el cuerpo es más listo que nosotros y nosotros estamos proyectando lo que creemos va a suceder en el futuro en algo que ya nos está pasando por el cuerpo, que ya está sucediendo pero que como es tan nuevo todavía no sabemos que es real, creemos que es una sensación.
A veces hay destellos… cuando ves reflejadas tu sociedad y sobre todo en tu día a día alguna de estas distopías. Hasta que no nos llevan a una situación límite, hasta que no lo ficcionas, y la ficción tiende a convertir las cosas en situaciones límites para que sea realmente impactante, no eres consciente de esa realidad.
RP: Para cerrar. Maniacs, Fools and Jaguars en un hashtag…
SC: #Fluor. |
Foto: Bandizstudio
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